Podríamos considerar perfectamente que «Lost« ha sido la mejor serie de televisión de los últimos 50 años: seis temporadas, seis premios Emmy y un Globo de Oro revolucionando por completo la manera de contar historias. Detrás de su éxito podemos encontrar muchos factores, pero hoy destacamos uno muy importante, el bonito paraje hawaiano donde se grabaron gran parte de sus escenas, Oahu.

Es la primera isla de Hawái descubierta por el inglés James Cook, en 1778. Está formada por dos volcanes, Waianae y Koolau, y por un amplio valle que se encuentra entre ellos. Sin duda es un lugar paradisiaco maravilloso: agua completamente azul, arena blanca y una exuberante vegetación. Los lugares más famosos de Oahu son Waikiki (centro turístico de Hawái, que concentra el 90 % de los hoteles), Pearl Harbor (una bahía, base de la flota estadounidense que, en 1941, fue atacada por la marina japonesa) y Diamond Head (un gran cono volcánico que ofrece una panorámica impresionante de la isla).

Gracias a «Lost» se han abierto estos años nuevas oportunidades para el turismo regional, como un tour en el que los fanáticos pueden recorrer los principales puntos donde los supervivientes del vuelo vivieron sus aventuras. Hay tres tipos de visitas: una que dura dos horas y pasa por veinte escenarios, otra de cinco horas en la que se conocen treinta escenarios y, finalmente, una de ocho horas, en la que se pueden conocer las playas más bellas, la cascada oculta de la selva y las montañas Koolau.

¿Cómo serían las fabulosas Tortugas Ninja de la serie clásica de los años 80 si hubieran envejecido como nosotros? En el año 2020 el programa Saturday Night Live reflexionó sobre esta cuestión y se le ocurrió la idea de crear los dibujos animados «Middle-Aged Mutant Ninja Turtles». Como habréis adivinado, el sketch imagina cómo serían las Tortugas Ninja Adolescentes Mutantes si hubieran envejecido.

Como la serie animada original comenzó en 1987, nuestros viejos héroes Leonardo, Miguel Ángelo, Donatello y Rafael estarían llegando a los 50 ahora, si hubieran envejecido en tiempo real. Es una visión bastante oscura de estos coloridos héroes de dibujos animados, pero al mismo tiempo es bastante divertida.

Creadas por el dúo escritor-artista Kevin Eastman y Peter Laird en 1984, las Tortugas Ninja Adolescentes Mutantes se convirtieron en un fenómeno global a finales de los 80, a partir de las series de dibujos animados, la línea de juguetes y el éxito de taquilla de 1990. De forma infame, la serie de dibujos animados original fue rebautizada como «Teenage Mutant Hero Turtles» en el Reino Unido, debido a la preocupación de que los ninjas fueran inapropiados para los niños.

Desde entonces, ha habido tres programas más de dibujos animados de las Tortugas Ninja, así como una serie de acción en vivo y cinco películas más.

La última apuesta de Marvel en el universo del Hombre Araña en acción real explora territorio tanto nuevo como familiar. En una entrevista con Empire Magazine, el showrunner de «Spider-Noir», Oren Uziel, explicó cómo las dos variantes de Spider-Man que interpreta Nicolas Cage difieren entre sí, después de que el actor pusiera voz a una versión similar en «Spider-Man: Into the Spider-Verse». Uziel lo describió como «un sabor diferente del personaje, aunque sigue siendo la voz de Nic.»

El creador de la serie fue muy claro al señalar que «Spider-Noir» no es una continuación de «Into the Spider-Verse». Según sus palabras, una vez que Phil Lord y Chris Miller introdujeron la idea del multiverso, cualquiera tiene permiso para tomar las cosas y hacerlas suyas. La incorporación de Ben Reilly a la trama responde precisamente a ese espíritu: crear una versión de Spider-Man que nadie había visto antes.

La serie se ambienta en los años 30 y sigue la cruzada de Ben Reilly, quien en ese contexto opera bajo el nombre de The Spider, no Spider-Man. Phil Lord y Chris Miller ejercen de productores ejecutivos, dando así el salto al universo live-action de Marvel tras el éxito cosechado con las películas animadas. La ficción también adapta a los villanos clásicos del Hombre Araña al filtro de la época, con versiones de Sandman y Electro propias de los años 30.

La llegada de «Spider-Noir» se produce el mismo año en que el trepamuros regresa a la gran pantalla, ya que «Spider-Man: Brand New Day», con Tom Holland, está prevista para el 31 de julio.

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Hay series que llegan sin hacer demasiado ruido y, sin embargo, se instalan en la mente del espectador con una persistencia inquietante. «Outer Range» es una de ellas. Estrenada en abril de 2022 en Amazon Prime Video, esta producción creada por Brian Watkins combinaba el neo-western con la ciencia ficción de manera tan peculiar y personal que resultaba difícil de etiquetar, y precisamente eso era parte de su encanto.

La serie gira en torno a Royal Abbott (interpretado por un soberbio Josh Brolin), un ranchero de Wyoming que lleva toda su vida defendiendo su tierra, su familia y sus secretos. Todo cambia cuando en los límites de su propiedad aparece un vacío oscuro e insondable: un agujero que no obedece a ninguna ley física conocida y que parece conectado con el tiempo mismo. Lo que podría haber sido una simple premisa de terror rural se convierte en algo mucho más ambicioso. Outer Range es, en el fondo, un relato sobre el peso del pasado, la culpa y la imposibilidad de escapar de uno mismo.

Josh Brolin compone uno de los personajes más complejos de la televisión reciente. Su Royal Abbott es un hombre roto que intenta parecer entero, y cada gesto, cada silencio, transmite décadas de carga emocional. A su lado, Imogen Poots borda el papel de Autumn, una joven mochilera cuya conexión con el misterio se va revelando de forma escalofriante. El reparto se completa con Lili Taylor, Tamara Podemski, Lewis Pullman y Tom Pelphrey, todos aportando matices a una historia coral que no descuida a ninguno de sus personajes.

La primera temporada estableció las reglas del juego —o más bien, dejó claro que no había reglas— y conquistó tanto a la crítica como a una base de fans entregada. La segunda, estrenada en mayo de 2024, profundizó en los viajes en el tiempo, la identidad y los bucles temporales con una audacia narrativa poco común. Con un 85% en Rotten Tomatoes y una segunda temporada que dejaba abiertos hilos enormes, todo apuntaba a que la historia continuaría.

Pero no. En julio de 2024, apenas dos meses después del estreno de la segunda temporada, Amazon confirmó la cancelación. Sin explicación oficial, sin cierre narrativo, sin respuestas para los fans que llevaban dos años siguiendo el misterio. Las razones apuntan a lo de siempre: costes elevados y una audiencia fiel pero no suficientemente masiva para los estándares de la plataforma, que nunca apostó demasiado por la serie en términos de promoción.

Es una lástima mayúscula porque «Outer Range» era uno de los mejores shows de ciencia ficción de los últimos años: valiente, extraña, visualmente hipnótica y protagonizada por una actuación de Josh Brolin que merecía muchas más temporadas. Amazon tenía entre manos algo genuinamente especial, y lo dejó ir. Las dos temporadas siguen disponibles en Prime Video. Valen cada minuto, aunque duelan un poco más sabiendo que la historia no tiene final.

Vince Gilligan regresa con «Pluribus», una decepcionante serie de ciencia ficción en Apple TV+ donde un virus transforma a la humanidad en seres conectados mentalmente que solo buscan la felicidad, mientras Carol Sturka, interpretada por Rhea Seehorn, permanece como una de las pocas personas inmunes a esta «plaga» de felicidad artificial. El creador de «Breaking Bad» y «Better Call Saul» abandona el territorio del drama criminal que dominó durante años para adentrarse en un postapocalipsis aparentemente amable, donde el fin del mundo no llega con zombis o destrucción nuclear, sino con sonrisas perpetuas y amabilidad inquietante en el que ya es considerado como su mayor desastre televisivo.

Lo que se presenta como una exploración filosófica sobre la individualidad frente al colectivo, la felicidad impuesta versus el sufrimiento auténtico y la pérdida de identidad en un mundo hiperconectado, resulta ser un ejercicio pretencioso que se toma demasiado en serio a sí mismo. «Pluribus» arrastra graves problemas de ritmo, una construcción del mundo que genera más cringe que intriga, y una visión ideológica profundamente estadounidense que sitúa una vez más a un personaje norteamericano como líder natural ante una crisis global. La serie, que llegó con un cien por cien de críticas positivas en Rotten Tomatoes y promesas de ser uno de los mejores estrenos del año, no cumple, ni de lejos, las expectativas generadas por el pedigrí de su creador ni justifica el misterio con el que se ha vendido al público.

Tras cerrar el universo de «Breaking Bad» y «Better Call Saul», Vince Gilligan se propuso hacer algo radicalmente diferente. El resultado es «Pluribus», una serie de ciencia ficción protagonizada por Rhea Seehorn que vuelve a situarse en Albuquerque, pero esta vez con un fin del mundo silencioso como premisa: un virus, o algo parecido a un virus, convierte a toda la humanidad en seres felices, optimistas y satisfechos, salvo a una única mujer. Carol Sturka es una escritora de novelas románticas de fantasía, una autora de best sellers que odia escribir y que se convierte en la única inmune a esta infección de felicidad. Su existencia se transforma en una anomalía incómoda para un mundo que la rodea y una pesadilla para ella misma.

La idea llevaba una década rondando la cabeza de Gilligan, quien concibió «Pluribus» durante los descansos de rodaje de «Better Call Saul». Quería explorar cómo reaccionaríamos si el mundo entero nos tratara con una amabilidad artificial, incapaz de sentir dolor o enfado. El concepto tiene potencial: la persona más miserable de la Tierra debe salvar al mundo de la felicidad. Sin embargo, la ejecución deja mucho que desear. Apple TV+ impuso condiciones estrictas para las críticas previas al estreno, prohibiendo revelar detalles específicos de la trama, lo que generó una estrategia de marketing basada en el misterio que la serie no termina de justificar.

El primer problema de «Pluribus» radica en su ritmo. Después de un primer episodio efectivo que establece la situación, la serie se arrastra durante capítulos enteros sin avanzar sustancialmente en su narrativa. Gilligan se toma su tiempo para contar la historia, desvelando el panorama completo a medida que Carol lo descubre, pero este enfoque resulta frustrante cuando la construcción del mundo genera más preguntas sin respuesta que revelaciones satisfactorias. La serie confunde el desarrollo pausado con la profundidad, y el resultado es una sensación constante de estar viendo escenas de relleno disfrazadas de momentos contemplativos.

Carol Sturka como protagonista presenta sus propios problemas. Seehorn, que deslumbró en «Better Call Saul» como Kim Wexler, se encuentra aquí con un personaje que oscila entre la antipatía y la inconsistencia. Carol es sarcástica, insegura y a veces cruel, pero no de una manera que resulte convincente o que genere empatía. Su caracterización como escritora de best sellers románticos que odia escribir suena más a construcción artificial que a desarrollo orgánico de personaje. La serie intenta presentarla como profundamente real, falible y contradictoriamente humana, pero lo que consigue es un personaje cuya única característica definitoria es quejarse constantemente de todo lo que le rodea.

El tono de «Pluribus» pretende evocar la mejor ciencia ficción clásica de los años cincuenta, esa que mezclaba desastres, extrañeza y paranoia, pero actualizada a la era de la hiperconectividad. La referencia explícita a «Contact», la película de Robert Zemeckis basada en la novela de Carl Sagan, establece unas expectativas que la serie nunca alcanza. Donde «Contact» lograba transmitir asombro cósmico y maravilla científica, «Pluribus» se queda en lo cotidiano sin conseguir que esa cotidianidad resulte particularmente interesante. El fin del mundo sucede entre cafeterías, clubs de lectura y redes sociales, pero la serie no encuentra una manera de hacer que estos escenarios mundanos generen la tensión necesaria.

Los guiños constantes a la conspiranoia digital y a los foros donde cada teoría es más absurda que la anterior funcionan ocasionalmente, pero en su mayoría resultan superficiales. Gilligan intenta aplicar el mismo cariño y sarcasmo que dedicaba a sus criminales de medio pelo en sus series anteriores, pero aquí los personajes secundarios carecen de la profundidad que caracterizaba incluso a los más pequeños roles en «Breaking Bad» o «Better Call Saul». Son bocetos que cumplen funciones narrativas específicas sin llegar a convertirse en personas creíbles.

«Pluribus» prometía ser una de las mejores series de ciencia ficción del momento, un género que vive una dudosa época dorada con producciones correctas pero no brillantes como «Fundación», «Severance» o «El Eternauta» llenando de ideas, debates y emociones las pantallas. Sin embargo, lo que entrega es un ejercicio de pretensión que confunde el ritmo lento con la profundidad, las referencias culturales con la originalidad y la ambigüedad moral con la complejidad narrativa. Gilligan demostró durante años que es uno de los mejores narradores televisivos de su generación, pero «Pluribus» sugiere que su genialidad funciona mejor en el territorio del drama criminal que conoce tan bien que en la ciencia ficción especulativa donde pretende innovar sin conseguirlo realmente.

«Zero y el Dragón Mágico» fue el nombre con el que se dio a conocer la primera serie anime de la franquicia «Dragon Ball» y su respectivo primer doblaje producido en México a principios de los años 90. En este doblaje, los nombres de los personajes como Zero fueron basados de la versión estadounidense que editó la compañía Harmony Gold. De esta versión de «Dragon Ball» solo se llegaron a doblar aproximadamente 60 episodios y las películas 1 y 3 que se unieron en una sola. Los primeros cinco episodios se doblaron con base a la versión estadounidense, la cual contenía mucha censura y la banda sonora era reemplazada por la de Harmony Gold, mientras que los demás episodios eran masters japoneses sin editar, pero con el cambio de nombres a los personajes y el opening estadounidense.

Son Goku pasó a llamarse «Zero», Krilin pasó a llamarse «Cachito», Yamcha pasó a llamarse «Zedaki», entre otros. Además, los primeros episodios venían fuertemente censurados y con la banda sonora cambiada; sin embargo, desde el episodio 6 se usaron los masters japoneses así desapareciendo los cortes de escenas. Esta versión no tuvo mucho éxito, pese a que, a excepción de los cinco episodios mencionados, no tenía ninguna censura de diálogo ni escenas, solo se mantuvieron los nombres de la versión estadounidense. Se llegaron a transmitir 60 episodios de esta versión.

La traductora de «Zero y el Dragón Mágico» se enteró del éxito que tenía la franquicia cuando viajó a Europa y una vez que regresó a México, se lo informó a Rafael Rivera, quien era el director de doblaje de la serie, y le dijo que por petición del cliente tenían que cambiarle el nombre a los personajes y las traducciones porque no eran las originales. Sin embargo, Rafael no estuvo de acuerdo, ya que el mismo cliente fue el que solicitó estos nombres en primera instancia, además, esto implicaba hacer todo el trabajo de nuevo y el cliente no estaba dispuesto a pagar por ello, por lo que Rafael Rivera renunció y el doblaje de la serie fue cancelado.

Tras 12 años de ausencia, «Spartacus» regresa con un spin-off totalment inesperado llamado «House of Ashur», de manos de la cadena estadounidense Starz. Su creador, Steven DeKnight, en una entrevista para Entertainment Weekly, aseguró que desde 2013 la cadena de televisión lo venía presionando para seguir desarrollando su universo, aunque siempre había respondido con un rotundo «no» debido a su agotamiento. «La razón por la que no dejaba de decir que no año tras año era que la serie era increíblemente difícil de hacer. Y entonces, claro, perdimos a nuestro protagonista a causa del cáncer, Andy Whitfield, lo que realmente nos desanimó a todos. Creo que necesitaba una década para recuperarme de la experiencia original, que fue maravillosa, pero agotadora y emocionalmente devastadora».

Sin embargo desde Starz no se dieron por vencidos y la enésima llamada se produjo en un momento de «vigor renovado», tal como describe DeKnight. Un sí y empezó a elucubrar qué podría pasar en la nueva temporada. Según él, fue su esposa la que le dio la idea: ¿y si Ashur no hubiera muerto? Y, a partir de aquí su mente empezó a trazar una suerte de «What If…?» con el personaje de Nick Taraby. Starz ha compartido el primer tráiler del proyecto y estamos, de nuevo, ante un universo de pan y circo repleto de sangre, músculos y acción. A continuación os dejamos con el avance:

Para muchos, el mejor Daredevil que ha existido es el interpretado por Charlie Cox, sin embargo, mucho antes de que Cox o el anterior Daredevil de la gran pantalla, Ben Affleck, asumieran el papel, otro actor interpretó al superhéroe de Marvel. Más conocido por la serie de culto de los años 80 «Street Hawk», Rex Smith fue el primer Daredevil de acción real en la pantalla, dando vida al personaje por primera vez en la película para televisión de 1989 «The Trial of the Incredible Hulk». Se planeó una serie de televisión de «Daredevil» protagonizada por Smith, pero nunca se concretó, en gran parte debido a la llegada de una serie de superhéroes rival.

Rex Smith comenzó la década de 1980 con el potencial de convertirse en la próxima gran estrella, pero al final de la década parecía estar peligrosamente cerca de ser un actor olvidado. Originario de Jacksonville, Florida, Smith se dio a conocer en la industria del entretenimiento como cantante; su mayor éxito fue el sencillo de 1979 «You Take My Breath Away», pero pronto se volcó en la actuación. Smith tuvo un gran impacto en Broadway con una producción de «Grease» y rápidamente se convirtió en un ídolo juvenil en las revistas para adolescentes. Sin embargo, para la mayoría de los niños de los 80, Smith se volvería sinónimo de Jesse Mach, el policía convertido en justiciero que combatía el crimen con una motocicleta de alta tecnología en la serie de televisión «Street Hawk».

A pesar de ser un favorito de la infancia para muchos, «Street Hawk» tuvo una vida sorprendentemente corta y fue cancelada después de solo 13 episodios. La carrera de Smith en la pantalla se resintió; consiguió algunos papeles menores en cine y televisión, pero le costó conseguir papeles protagónicos. Entonces, llegó Marvel. En ese momento, era una editorial de cómics que intentaba convertirse en un imperio del entretenimiento y necesitaba un éxito. Al borde de la bancarrota en los años 80, la solución de Marvel fue adaptar su vasta colección de superhéroes a la pantalla, pero sus primeros intentos cinematográficos – «Howard the Duck» (1986), «The Punisher» (1989) y «Captain America» (1990) – no tuvieron éxito.

Las versiones cinematográficas de «Spider-Man», «X-Men» y «Black Panther» estaban en sus primeras etapas de desarrollo, y a finales de los 80, Marvel decidió centrar su atención en su única propiedad de acción real que había sido exitosa hasta ese momento: «The Incredible Hulk». La serie de televisión había disfrutado de altos índices de audiencia en su emisión original de 1978 a 1982 y seguía siendo popular en repeticiones.

Los actores de «The Incredible Hulk», Bill Bixby (alter ego humano del Hulk, renombrado David Banner en la serie) y Lou Ferrigno (el propio Hulk), estaban interesados en retomar sus roles. Bixby incluso había intentado producir una película para televisión de Hulk/Spider-Man a mediados de los 80, con Nicholas Hammond, quien interpretó a Spider-Man en la efímera serie de los años 70 «The Amazing Spider-Man».

A partir de 1988, The Incredible Hulk regresó a la televisión con una serie de películas para TV, pero Marvel tenía planes más grandes. La primera película, «The Incredible Hulk Returns» (1988), coprotagonizó a Eric Allan Kramer como Thor (junto con Steve Levitt como Donald Blake, el alter ego humano de Thor, omitido en las películas más recientes de Marvel).

La idea era que «The Incredible Hulk Returns» sirviera como un episodio piloto encubierto para una serie de televisión de Thor. Antes de que quedara claro que eso no sucedería, ya estaban en marcha planes similares para otro superhéroe de Marvel: «Daredevil, el Hombre sin Miedo». Al igual que Hulk, Daredevil fue una creación del legendario equipo de escritores y artistas de Marvel, Stan Lee y Jack Kirby (aunque Bill Everett también contribuyó a la creación de Daredevil). Introducido en 1964, fue el primer superhéroe ciego, con sentidos extraordinarios, que luchaba contra el crimen tanto como justiciero como abogado, bajo el nombre de Matt Murdock.

Ya se habían hecho intentos previos para llevar a Daredevil a la televisión. Angela Bowie, entonces esposa de David Bowie, intentó lanzar una serie con el personaje a mediados de los 70, con Ben Carruthers como Daredevil y ella misma como Black Widow, aunque aparentemente nunca pasó de una sesión de fotos. Más tarde, se escribió una película para televisión de Daredevil en 1983, pero nunca se produjo.

Cuando Rex Smith fue elegido como Daredevil, fue – según el propio Smith – el segundo papel de superhéroe para el que había sido considerado recientemente. El actor afirma que había audicionado para el papel principal en «Batman» (1989) y que quedó en segundo lugar: «Warner Bros me quería, Tim Burton quería a Michael Keaton, y él ganó esa discusión.»

Además de presentar a Smith como Matt Murdock/Daredevil, «The Trial of the Incredible Hulk» también marcó la primera aparición en acción real de uno de los villanos más icónicos de Marvel: Wilson Fisk, alias Kingpin. El papel fue para John Rhys-Davies, mejor conocido como Sallah en las películas de Indiana Jones y más tarde como Gimli en «El Señor de los Anillos».

Muchos fanáticos de los cómics quedaron decepcionados por las libertades tomadas con la apariencia icónica de los personajes (Daredevil no llevaba su traje rojo con cuernos, y Kingpin no tenía la cabeza rapada), pero la posibilidad de verlos en una serie continua seguía siendo emocionante, especialmente para Smith y Rhys-Davies.

Smith recuerda «The Trial of the Incredible Hulk» como «algo más que una aparición especial… era un trampolín para una serie de Daredevil. Estábamos tan emocionados, John y yo. Él también había firmado para la serie, sería mi Moriarty para Sherlock Holmes. Habría otros villanos, pero el verdadero villano que siempre estaba detrás de todo iba a ser John.»

Además de presentar las primeras versiones en acción real de Daredevil y Kingpin, «The Trial of the Incredible Hulk» también fue la primera película de Marvel en incluir un cameo de Stan Lee, apareciendo brevemente como un jurado en la secuencia del juicio (que, para decepción de muchos espectadores, resulta ser solo un sueño).

Cuando se emitió en NBC, «The Trial of the Incredible Hulk» no causó gran impacto. Las críticas fueron tibias, pero los índices de audiencia fueron altos. Esto llevó a la realización de una tercera y última película de Hulk en 1990: «The Death of the Incredible Hulk».

Lamentablemente, al igual que «The Incredible Hulk Returns» no logró lanzar una serie de Thor, «The Trial of the Incredible Hulk» tampoco logró lanzar «Daredevil». Smith sostiene que la cancelación no fue por falta de interés del público, sino por razones comerciales: CBS ya estaba trabajando en su propia serie de superhéroes, «The Flash».

En un giro irónico, «The Flash» (1990), protagonizada por John Wesley Shipp, fue un fracaso de audiencia y fue cancelada después de una sola temporada. No fue hasta 2014 que «The Flash» tuvo éxito en la televisión con Grant Gustin en el papel principal.

Finalmente, en 2015, Daredevil se convirtió en la figura central de la breve, pero aclamada era de series de Marvel en Netflix, con Charlie Cox interpretando a Matt Murdock y Vincent D’Onofrio como Kingpin.

Después del fracaso del proyecto «Daredevil», Rex Smith pasó dos años en la telenovela «As the World Turns» antes de desaparecer en gran parte del foco público. Aun así, ha seguido trabajando en el teatro musical y ha grabado más álbumes. Aunque su paso por el mundo de los superhéroes fue breve, Smith dice estar «bastante orgulloso de ser parte del universo Marvel», aunque le queda la nostalgia de lo que pudo haber sido.

«Halston» es una brillante serie de 5 episodios de Netflix que nos narra la vida del diseñador Halston, y está protagonizada por Ewan McGregor. Creada por Sharr Whitte, producida por Ryan Murphy, y basada en la novela «Simply Halston» de Steven Gaines, fue estrenada el 14 de mayo de 2021. Lujo, sexo, estatus y fama, definen literalmente la época en la que el modisto conquistó la Nueva York de los años 70 y 80, hasta que una OPA hostil, sus adicciones y una enfermedad terminal le destruyeron su vida.

Junto a la magnífica interpretación de Ewan McGregor encontramos a Krysta Rodríguez (Liza Minnelli), Rebecca Dayan (Elsa Peretti), Bill Pullman (David Mahoney), Gian Franco Rodríguez (Víctor Hugo), David Pittu (Joe Eula), Sullivan Jones (Ed Austin), Rory Culkin (Joel Schumacher), Kelly Bishop (Eleanor Lambert) y Vera Farmiga (Adele).

Roy Halston Frowick, irrumpió en la escena de la moda en 1961, cuando Jackie Kennedy usó uno de sus sombreros para la toma de posesión de su marido, el presidente John F. Kennedy. Su fama fue tal que pasó de diseñar sombreros a diseñar prendas de ropa y, de ahí, a redefinir el mundo de la moda. Diseños muy limpios, muchas veces salpicados de cachemira, fueron sus grandes apuestas. Pasó mucho tiempo en Studio 54 y fue amigo de leyendas como Liza Minnelli, Bianca Jagger y Andy Warhol. Pero en 1983 decidió hacer una línea de ropa ‘low cost’, Halston III, que fue muy mal recibida.

Ningún gran diseñador se había atrevido a hacer esto, pensando que esta medida afectaría a la marca. Y así fue en el caso de Halston. El diseñador, tras el golpe, comenzó a perder el control de su empresa. En 1990, murió de sarcoma de Kaposi, un tipo de cáncer que a menudo se diagnostica en pacientes con SIDA.

VALORACIÓN MICROOCI 7/10

El universo de Super Mario es la franquicia más lucrativa de Nintendo, y es sin duda la franquicia de juegos de mayor éxito en ventas a nivel mundial y en la historia. El mismo Mario es la mascota de Nintendo, y es considerado el personaje de videojuegos más conocido en el mundo, y él y sus muchos amigos y némesis han aparecido en docenas y docenas de videojuegos de Nintendo, muchos de ellos siendo best sellers, y varios son considerados algunos de los mejores juegos jamás publicados. A continuación repasamos hasta 16 caricaturas y anime que hicieron referencia a él.

The Simpsons

En el capítulo en donde Bart sueña con tener un hermano, aparecen Mario y Luigi recorriendo una pequeña parte del mundo. Esta no es la única vinculación entre ambos universos, ya que se extiende a muchos más capítulos e ideas.

Family Guy

En un chiste aparece Mario como el novio italiano de Meg.

Gumball

Esto pasa en un capítulo completo, ya que ocho dice tener de tío a un plomero italiano y Gumball piensa que es Mario y en efecto lo era, pero no el Mario que él pensaba, sino que un señor de mediana edad.

El Chavo Animado

Los niños juegan una versión de Mario Bros clásico para hasta 4 jugadores (predijeron el principal gimmick de New Super Mario Bros WII XD).

South Park

En el especial Cartoon Wars pudimos ver a Wario (o bueno, Vario) como parte del bando de los malos, además que en la imagen se puede ver a Ganondorf.

Gintama

En el arco de la Bentendo Owee aparece Katsura vestido como «un plomero ordinario».

Futurama

Mario aparece como embajador de Italia de la ONU.

Naruto SD

En este Spin-off con enfoque a la comedia podemos ver a los ninjas jugando una parodia de Mario Kart diciendo que los jóvenes únicamente se unen para jugarlo.

Chowder

En el episodio de mocoball podemos ver que a medio partido recrean la primera batalla de Mario y Bowser del primer Mario Bros.

Steven Universe

Entre las posesiones que tiene Steven en su cuarto está una almohada con forma de champiñón rojo.

Mickey Mouse (2013)

En un especial de Halloween, podemos ver a Mickey disfrazado de lagarto usando su lengua a como lo hace Yoshi.

Gurren Lagann

Aparece un pequeño cameo de los Bullet Bill a modo de soporte de unos enemigos.

Bob Esponja

En el capítulo en donde van a la Atlántida, Calamardo se mete a los cuadros, muy al estilo a como lo hace Mario en Super Mario 64.

Loud House

En uno de los capítulos justo en donde presentan el título, recrean un recorrido al estilo de los primeros Mario Bros.

Un show más

En el episodio en donde Mordecai, Rigby y Benson van a Japón para participar en un show de concursos, ellos juegan algo parecido a uno de los minijuegos del primer Mario Party además de ver la caja de premio muy similar a las que salen en los juegos.

Alejo y Valentina Mario Bros

Alejo y Valentina es una serie de animación web y de televisión para adultos argentina. Emitida originalmente a través de internet y luego también por la cadena MTV, es desarrollada en Macromedia Flash por Alejandro Szykula, más conocido como «El LoCo», quien interpreta las voces de la gran mayoría de sus personajes. En ella el universo de Mario Bros también estuvo presente.